Dok.fest München 2025

Copyright Jan Erting

WE ALL BLEED RED ist kein klassisches Biopic – genauso wenig wie Martin Schoeller ein typischer Starfotograf ist. Natürlich hatte er bereits zahlreiche Prominente vor der Kamera: Barack Obama, Angelina Jolie, Jon Bon Jovi, Lady Gaga und viele mehr. Doch Schoeller geht es um mehr. In eigenen Projekten will er Menschen am Rand der Gesellschaft eine Stimme geben – und sie mit den Einnahmen aus diesen Projekten zugleich unterstützen.

Obdachlose und Transgender in L.A. oder indigene Amerikaner beim Powwow-Festival: Schoeller porträtiert sie in denselben großformatigen Nahaufnahmen, die ihn als Fotograf weltberühmt gemacht haben. Regisseurin Josephine Links konzentriert sich in ihrem Film auf genau diese Nebenprojekte Schoellers. Sie zeigt, wie Schoeller das Vertrauen seiner Gegenüber gewinnt und während des Fotografierens beiläufig sehr persönliche Gespräche führt. Die Regisseurin stellt dabei vor allem die Menschen vor Schoellers Kamera in den Mittelpunkt – und gibt ihnen Raum, ihre Geschichten zu erzählen.

Copyright Marcus Winterbauer

So wird WE ALL BLEED RED nicht nur zu einem Künstlerporträt, sondern zu einer wichtigen Dokumentation über Ungleichheit in der amerikanischen Gesellschaft.

Wenn wir auf unser eigenes Leben zurückblicken, dann folgt das nicht der Dramaturgie eines Biopic. Wir schauen auf einzelne Momente und Phasen, die uns zu dem gemacht haben, was wir sind. Es ist wie ein Puzzle, dass nie ein kompletten Bild ergibt - und auch nicht ergeben kann. Wollen wir Mitmenschen verstehen, dann kann dies auch nur durch auslassende Blicke auf kurze, aufscheinende Episoden erfolgen. Es ist daher gut, dass Billy Shebar das Leben der Stimmkünstlerin, Komponistin und Performerin Meredith Monk nicht in ein chronologisches Korsett zwängt, sondern dem programmatischen Titel seines Films MONK IN PIECES folgt.

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Best Fiction Film

ANUL NOU CARE N-A FOST (The year that never came) von Bogdan Muresanu

Regisseur Bogdan Muresanu beim Publikumsgespräch auf der Crossing Europe 2025

Audience Award – Best Fiction Film

Social Awareness Award – Best Documentary Film

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YAAAS! Youth Jury

Alle Preise der Crossing Europe 2025

Die Zeit nach dem Abi ist wie ein Spiegel unserer Zerrissenheit in der Welt – eine Erfahrung, die wir selten so intensiv noch einmal machen. Sie ist zugleich ein großes Versprechen und der Blick in ein schwarzes Loch am Horizont. Freiheitsgefühl und Haltlosigkeit wechseln sich genauso ab wie Übermut mit Angst vor der Zukunft.

Die Story des Films ist schnell erzählt: Die besten Freundinnen Ramona und Nico lungern herum, nerven andere und flüchten aus der Wohnung von Nicos Mutter, nachdem sie den seltenen Vogel des Nachbarn in die Freiheit entlassen haben. Von da an treiben sie durch die Straßen Berlins, kümmern sich um Ramonas quirligen kleinen Bruder und kreuzen immer wieder die Flugbahnen des entflohenen Vogels.

NULPEN ist das Langfilmdebüt der ehemaligen DFFB-Studentin Sorina Gajewski – ein erfrischend frecher Coming-of-Age-Film, in dem die überzeugenden Nachwuchsschauspielerinnen Bella Lochmann und Pola Geiger das Lebensgefühl zwischen zwei Lebensphasen spürbar machen.

Silvia Luzi und Luca Bellino zusammen mit Moderator Neil Young beim Publikumsgespräch

Das diesjährige Tribute von Crossing Europe ist Silvia Luzi und Luca Bellino gewidmet. Bei einem Gespräch erzählen beide, wie überrascht sie zunächst waren, als sie die E-Mail mit dem Angebot des Festivals in ihrem Postfach fanden. Wird eine Hommage nicht eher an Leute vergeben, die nicht mehr leben? Aber ein Blick in die Historie der Festivalsparte beruhigte sie schließlich. Viele Geehrte befinden sich gerade auf dem Höhepunkt ihres Schaffens.

Im Rahmen der Werkschau stellten Luzi und Bellino am dritten Festivaltag DELL'ARTE DELLA GUERRA im Moviemento-Kino Linz vor. Der Film von 2023 rollt noch einmal die Geschichte um die Besetzung des letzten Stahlwerks von Mailand auf.

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Animierter Sternenhimmel in der Ars Electronica

Crossing Europe ist ein Festival, das einem mit offenen Armen empfängt, jedes Jahr wieder. Das Festivalteam tut viel dafür, Filmemacher, Filmjournalisten und andere Filmprofessionals zusammen zu bringen. Dieses Jahr hatten die Festivaleiterinnen Sabine Gebetsroither und Katharina Riedler zusammen mit FAMA (dem Fachverband der Film- und Musikwirtschaft) in eines der bekanntesten Gebäude der Stadt eingeladen: dem ARS ELECTRONICA Center.

Feuerwerk von der Dachterasse der Ars Electronica

Es war ein sehr kurzweiliger und interessanter Abend, an dem mir bei Tisch Silvia Luzi und Luca Bellino von ihrer wechselseitigen Unterstützung aber auch kleinen Kämpfen als Film-Paar erzählt haben, ich mich mit einer Kollegin von artechock über den Zustand Filmkritik in Tageszeitungen austauschen konnte, der Produzent von THE FLATS Jeremiah Cullinane bestätigt, wie schwierig es ist, heutzutage Dokumentarfilme ins Kino zu bringen, und der Filmcutter von NULPEN Raffaéllo Lupperger begeistert schwärmt, wie sich durch die Aufnahme des Erstlingswerks in den Wettbewerb von Crossing Europe sich viele neue Möglichkeiten ergeben haben. Auf dem Weg zurück ins Hotel entspann sich dann noch ein Gespräch mit dem Film-Tausendsassa Predrag Milojevic, der nicht nur Splatterfilme macht und für Wiener Theater auf der Bühne steht sondern auch das kleine Filmfestival von Trebenje nahe Dubrovnik organisiert.

Regisseurin Justine Bauer bei der Vorstellung ihres Films im Linzer City Kino

Die Regisseurin Justine Bauer stellte ihren Debütfilm MILCH INS FEUER auf der Crossing Europe persönlich vor. Entstanden ist eine behutsame, langsame und reduzierte Beobachtung des Alltags von Frauen auf familiär geführten Bauernhöfen. Männer treten nur am Rande in Erscheinung. Mit feinem Gespür für Rhythmus – sowohl in der Bildkomposition als auch im Erzähltempo – gelingt es der Regisseurin, eine besondere Atmosphäre zu schaffen. Bis auf die Rolle der Mutter (wunderbar zurück genommen gespielt von Johanna Wokalek) hat Bauer überwiegend mit Laiendarstellerinnen gearbeitet, was dem Film eine große Authentizität und Natürlichkeit verleiht.

In seiner fast semidokumentarischen Form fängt der Film das alltägliche Leben der jungen Mädchen und Frauen mit all Ihren kleinen wie großen Problemen aber auch magischen Momenten überzeugend ein.

Ibrahim Arslan und eine der Briefeschreiberin von 1992, © inselfilm produktion

Der Crossing Europe Beitrag DIE MÖLLNER BRIEFE widmet sich einem ungeheuerlichen Vorgang: Nach den Mordanschlägen in Mölln durch Neonazis, in der Ratzeburger Straße 13 und der Mühlenstraße 9, erhielt die Stadt Mölln fast 1.000 Beileids- und Solidaritätsbekundungen aus ganz Deutschland. Sie waren zu 90 % an die Opferfamilien gerichtet. Der Haken: Die Stadt hat die Briefe nie weitergeleitet. 27 Jahre lang. Nur durch einen Zufall erfuhr Ibrahim Arslan, der als Kind aus den Flammen gerettet wurde, dass die Briefe die ganzen Jahre im Archiv der Stadt Mölln gelagert wurden.

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Ein Film-Festival wie Crossing Europe gibt es nur dank Fördergeber und Sponsoren. Fördergeber sind 2025 wieder das österreichische Bundesministerium für Wohnen, Kunst, Kultur, Medien und Sport, das Land Oberösterreich, die Stadt Linz und CREATIVE EUROPE. Bei den Sponsoren und Veranstaltungspartnern arbeitet das Festival u.a. wieder mit der OÖ Landes-Kultur GmbH, dem Moviemento/City-Kino, Central, der Trumer Privatbrauerei und der Linz AG zusammen. Als neuer Sponsor konnte die FH Oberösterreich gewonnen werden. Hauptmedienpartner sind die Tageszeitung Der Standard, der ORF-Radiosender Ö1 und die Regionalzeitung Oberösterreichische Nachrichten.

Trotz dieser Kooperationen weist Crossing Europe darauf hin, dass die Lage durch steigende Kosten immer schwieriger wird. Das hemmt die Weiterentwicklung des Festivals. Wie andere Festivals ist auch Crossing Europe davon abhängig, dass die Förderbeiträge an die Inflationsrate angepasst werden.

Immer wieder entzückt in Linz diese ungeheuer gechillte Atmosphäre des Crossing Europe Festivals. Bei bestem Wetter entspannen sich die Festivalgäste auf dem OK Platz.

© 3B-Davis-Sutor Kolonko-Arte-BR

Die Schneekönigin lebt in einem Turm aus Eis und Schnee. Sie ist wunderschön, aber ihr Herz ist eiskalt. Ihr Kuss zerstört alle Wärme und Liebe in den Herzen der Menschen. Die junge Jeanne ist fasziniert von diesem Märchen. Die Teenagerin lebt in den 1970er Jahren in einem Heim für Waisenkinder hoch oben in den Bergen, und immer wieder stiehlt sie sich davon, um dem verführerischen Schnee und Eis nahe zu sein. Eines Tages nimmt sie Reißaus und findet zufällig Unterschlupf im Keller eines Filmstudios. Am Filmset trifft Jeanne auf den Star des Films, der dort gerade gedreht wird: die Schneekönigin. Und sie ist genauso schön und kalt wie im Märchen.

Mehr: " Crossing Europe 2025: LA TOUR DE GLACE (THE ICE TOWER) von Lucile Hadžihalilovic " »

Vom 29. April bis 4. Mai wird Linz wieder zum Zentrum des europäischen Films: Das 22. Crossing Europe Filmfestival präsentiert 142 Spiel-, Dokumentar- und Kurzfilme aus 42 Ländern und bietet dem Publikum einen Einblick in die sozialkritische und künstlerische Vielfalt der jungen europäischen Filmszene. Neben zahlreichen Uraufführungen und preisgekrönten Arbeiten stehen Filmgespräche, Panels und ein vielfältiges Rahmenprogramm auf dem Programm.

Im Festivalzentrum rund um den Ursulinenhof und die Kinos Moviemento, City-Kino und Central erwartet Besucher_innen eine entspannte Atmosphäre. Zu den Programmhöhepunkten gehören vier Wettbewerbssektionen sowie etablierte Spezialprogramme wie "Arbeitswelten", "Architektur und Gesellschaft" und "Nachtsicht" für fantastisches Kino. Ein Schwerpunkt ist dieses Jahr den italienischen Regisseur:innen Silvia Luzi und Luca Bellino gewidmet, die ihr neuestes Werk LUCE als Österreichpremiere präsentieren.

Ein weiterer Fokus liegt auf regionalen Produktionen: Der oberösterreichische Künstler und Umweltaktivist Edgar Honetschläger wird mit einem Special gewürdigt. Neu ist der CROSSING EUROPE Award Local Artist – Young Talent, der Arbeiten von Filmschaffenden in Ausbildung auszeichnet.

Rund 100 Filmschaffende aus dem In- und Ausland werden ihre Werke persönlich vorstellen. Daneben bietet das Festival neue Formate wie den Industry Afternoon zur europäischen Filmproduktion und beliebte Highlights wie die Nightline mit Konzerten und DJ-Sets. Für den Nachwuchs gibt es mit der YAAAS! Jugendschiene Workshops, Filmvorführungen und erstmals ein Kinoangebot für Kinder ab sechs Jahren.

Goldener Bär für den Besten Film

DRØMMER (DREAMS) von Dag Johan Haugerud

© Motlys

Silberner Bär Großer Preis der Jury

O ULTIMO AZUL (THE BLUE TRAIL) von Gabriel Mascaro

© 2024 Guillermo Garza / Desvia

Silberner Bär Preis der Jury

EL MENSAJE (THE MESSAGE) von Iván Fund

zur Festivalblog-Kritik

© Iván Fund, Laura Mara Tablón, Gustavo Schiaffino / Rita Cine, Insomnia Films

Silberner Bär für die Beste Regie

an Huo Meng für die Regie von SHENG XI ZHI DI (LIVING THE LAND)

© Floating Light (Foshan) Film and Culture

Silberner Bär für die Beste Schauspielerische Leistung in einer Hauptrolle

an Rose Byrne für die Hauptrolle in IF I HAD LEGS I'D KICK YOU

© Logan White / A24

Silberner Bär für die Beste Schauspielerische Leistung in einer Nebenrolle

an Andrew Scott für seine Rolle in BLUE MOON

zur Festivalblog-Kritik

Silberner Bär für das Beste Drehbuch

an Radu Jude für das Drehbuch von KONTINENTAL '25

zur Festivalblog-Kritik

© Filmstill aus Kontinental '25

Silberner Bär für eine Herausragende Künstlerische Leistung

für das Kreative Ensemble von La TOUR DE GLACE (THE ICE TOWER)

zur Festivalblog-Kritik

© 3B-Davis-Sutor Kolonko-Arte-BR

BERLINALE DOKUMENTARFILMPREIS

HOLDING LIAT von Brandon Kramer

GWFF PREIS BESTER ERSTLINGSFILM

THE DEVIL SMOKES (AND SAVES THE BURNT MATCHES IN THE SAME BOX) von Ernesto Martinez Bucio

Goldener Bär Bester Kurzfilm

LLOYD WONG, UNFINISHED von Lesley Loksi Chan

Silberner Bär Preis der Jury - Kurzfilm

ORDINARY LIFE von Yoriko Mizushiri

© 2025 Red Balloon Film, Productions Microclimat, Intramovies

Der arabische Schriftsteller Munir, der seit längerer Zeit in Hamburg lebt, leidet unter Depressionen und fährt auf die Nordsee-Hallig Langeneß, um sich umzubringen. Ansonsten erfahren wir nicht viel über ihn. Auch nicht über die anderen Personen. Die zweite Filmebene sind wiederkehrende Sequenzen aus einem Märchen, dass seine Mutter ihm erzählt hat und das ihn bis heute verfolgt. Mit seiner dementen Mutter in der Heimat telefoniert er zu Beginn des Films. Sie kann sich kaum an das Märchen, allerdings auch kaum an ihren Sohn erinnern.

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© Dreamers Production Ltd.

Isio (Ronke Adékoluejo) ist aus Nigeria nach England geflüchtet. Nachdem sie als illegal Beschäftigte festgenommen wurde, kommt sie völlig verängstigt im einem sogenannten „Asylum Removal Centre“ an, wo über ihre Zukunft entschieden wird. Dort trifft sie Farah (Ann Akinjirin), die genau weiß, wie die Dinge im Zentrum laufen und vor allem, wie ein Asylverfahren in Großbritannien abläuft: Wenn ein Asylgesuch abgelehnt wurde, gibt es noch zwei Chancen Widerspruch einzulegen. Für Farah läuft schon der letzte Versuch als Isios erster Antrag abgelehnt wird. Und dann werden die Dinge noch komplizierter: Nicht nur weiht Farah Isio in einen verrückten Plan ein, den sie mit ihren Freundinnen Atefeh (Aiysha Hart) und Nana (Diana Yekenni) ausgeheckt hat, sondern die beiden Frauen verlieben sich auch ineinander.

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© Alkebu Film Productions

Als Gott die Reichtümer verteilte, griff er sich aus einem großen Sack portionsweise ein bisschen Gold, Silber, Kobalt und Edelsteine und ließ sie über die verschiedenen Länder Afrikas rieseln. Als er schließlich im Kongo angekommen war, war er so müde von der Arbeit, dass er einfach den restlichen Inhalt des Sacks über dem Land ausschüttete. Eine Geschichte, die man sich übrigens nicht nur im Kongo, sondern auch in Südafrika erzählt. Die Demokratische Republik Kongo ist reich, sehr reich an Bodenschätzen. Aber sehr wenig von diesem Reichtum kommt den Menschen im Land selbst zugute. Große Konzerne machen riesige Profite, ausländische Investoren teilen sich die fantastischen Erlöse mit einer korrupten Elite im Land. Man kennt das Lied. Aber: Es könnte auch anders gehen. Der kongolesische Dokumentarfilmer Petna Ndaliko Katondolo zeigt in MIKUBA (Cobalt), wie lokale Bergleute versuchen, in einer selbst verwalteten Minen-Kooperative im südkongolesischen Kolwezi einen anderen Weg zu gehen: mit traditionellen Abbau-Methoden und einem anderen Verteilungsschlüssel für die Gewinne. Er zeigt aber auch die strukturellen Hürden, die solche Alternativen fast unmöglich machen.

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© Isaac Julien

1989 machte ein formal und inhaltlich außergewöhnlicher Film über den afroamerikanischen Dichter, Schriftsteller und aktiven Bürgerrechtler Langston Hughes (1901-1967) Furore: LOOKING FOR LANGSTON ist ein filmpoetischer Essay, ein Traum von Film, ein Meisterwerk. Der britische Installations-Künstler und Filmemacher Isaac Julien (seit 2022 Sir Isaac Julien) erforscht hier in eleganten Schwarz-Weiß-Bildern das Leben und Wirken von Hughes während der Harlem Renaissance, als in den 1920er und frühen 1930er Jahren in New York und anderswo afroamerikanische Kunst und Literatur erstmals „en vogue“ waren.

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Etwas verfroren und leicht angeschlagen wirkte der koreanische Regisseur Hong Sangsoo, als er heute auf dem roten Teppich zur Premiere seines Films ankam. Hong Sang-soo ist so etwas wie ein Dauergast auf der Berlinale – er hat in hier bereits über zehn Filme präsentiert. Seit 2017 war er bis auf 2022 jedes Jahr mit einem Film auf der Berlinale vertreten, fünf davon liefen im Wettbewerb. Auch seinen Debütfilm mit dem schönen Titel DER TAG, AN DEM EIN SCHWEIN IN DEN BRUNNEN FIEL zeigte er bereits 1997 im Forum der Berlinale.

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© Areeb Zuaiter

FB: Was war das Motiv für den Film und wie hat der jüngste Krieg die Wahrnehmung verändert?

Areeb: Ich habe das Thema Parcour in Gaza vor zehn Jahren zufällig entdeckt und war fasziniert. Gaza war auch damals ein Ort voller Hindernisse und Probleme. Aber diese Sportler haben das überwunden. Während ein Krieg herrschte, während Bomben fielen, haben sie weiter gemacht – und gelacht. Das ist unglaublich. Die Sehnsucht nach Freiheit, die diesem Sport zugrunde liegt ist außergewöhnlich.

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© Oleksandr Roshchyn

In der Ukraine bleiben trotz des Krieges die Schulen geöffnet – die Lehrkräfte unterrichten, so gut es geht. Sie geben den Kindern und Jugendlichen Halt und Unterstützung im Kriegsalltag, ein wertvolles Stück Normalität. Nicht zuletzt ist das Weiter-Unterrichten ein Akt des Widerstands: Hier wird mit Herz und Verstand an einer Zukunft für die nächste Generation gearbeitet. Die erfahrene Dokumentarfilmerin Kateryna Gornostai hat für STRICHKA CHASU den Schulalltag zwischen Luftschutzkellern, ausgebombten Schulgebäuden und Online-Unterricht in verschiedenen Städten der Ukraine begleitet, mal hunderte von Kilometern, mal nur 30 Kilometer von der Front entfernt. Es ist ein starker und feinfühliger Film, der harte Zumutungen, grausame Widersprüche und einen starken Lebenswillen zeigt, ohne sich aufzudrängen.

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© Filmstill aus Kontinental '25

Das transsilvanische Cluj ist eine echte Boomstadt. Immobilien sind ein lukratives Geschäft, die Altstadt wird radikal gentrifiziert, für die Schwachen in der Gesellschaft gibt es im neoliberalen Rumänien ohnehin nur ein extrem grobmaschiges soziales Netz. Als die Gerichtsvollzieherin Orsolya einen älteren Obdachlosen aus einem Keller vertreiben muss, bringt sich dieser auf grausame Weise um. Die daraus resultierenden Schuldgefühle werfen Orsolya gründlich aus der Bahn. Radu Judes Wettbewerbsbeitrag KONTINENTAL ‘25 zeigt Orsolyas Versuche, einen Weg aus ihrer moralischen Krise zu finden: absurd, tragisch und mit sehr viel bösem schwarzen Humor. Der Film ist eine Herausforderung, die auszuhalten sich lohnt.

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© Distinto Films, Nexus CreaFilms, A Contracorriente

Es ist wie bei Lieblings-Musik: Man geht auch ins Kino, um verstanden zu werden. Man will nicht alleine sein mit der Art, wie man die Welt wahrnimmt. Menschen, die gehörlos sind, erleben die Welt fast ausschließlich visuell und nur in geringem Maße über Geräusche, Töne und Laute. Nur alle paar Jahr kommt ein Film auf die Leinwand, der sich die Mühe macht, diese Welt zu erschließen. SORDA gelingt dies - das zeigen die Reaktionen nach der Vorführung.

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© Motlys

Wenn eine junge Schülerin sich in ihre Lehrerin verliebt, dann war das früher ein Fall für Romy Schneider. Heutzutage wird daraus ein Hygge-Film. Dag Johan Haugeruds DRØMMER (DREAMS) ist eine Mischung aus Teenie-Tagebuch, Verbotene-Liebe-Dramolett und liebevoll-kritischer Beobachtung weiblicher Selbstbestimmung im Wandel der Generationen. Dabei folgt er der 17-jährigen Osloer Gymnasiastin Johanne durch ihr Gefühls-Wirrwarr in Bezug auf eine wunderschöne neue Französisch-Lehrerin mit Faible für selbst kreierte Strickmode. Um ihre Gedanken zu sortieren, schreibt Johanne dieses Wirrwar auf, „nachdem alles vorbei ist“. Als die Großmutter und die Mutter Johannes intime Aufzeichnungen zu lesen bekommen, löst das einige Turbulenzen aus. Männer sind in dem Film weitestgehend absent, was ungewöhnlich und durchaus charmant ist.

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© Sabrina Lantos / Sony Pictures Classics

Lorenz „Larry“ Hart war ein Genie. Wer den Text für einen Song wie „The Lady Is a Tramp“ (und „Bewitched, Bothered and Bewildered“, „My Funny Valentine“, „Blue Moon“ – die Liste, der Songs, die Klassiker geworden sind, ist sehr, sehr lang) geschrieben hat, kann danach beruhigt sterben. BLUE MOON beginnt mit dem Sterben von Larry Hart, aber von beruhigt kann keine Rede sein: Sturzbetrunken landet er in einer saukalten Novembernacht 1943 in der Gosse einer Straße in Manhattan. Wenige Tage später stirbt er im Krankenhaus im Alter von 48 Jahren. Dann springt die Handlung sechs Monate zurück in den März 1943 zum Premierenabend von „Oklahoma!“, dem ersten Musical, das der Komponist Richard Rogers nicht mehr gemeinsam mit Larry Hart als Texter, sondern mit Oscar Hammerstein II schrieb. Hart (Ethan Hawke) kommt vor allen anderen in der noch fast leeren Bar an, in der die Premierenfeier stattfindet. Es beginnt ein Kammerspiel: Zunächst mit Hart, dem Barkeeper Eddie (Bobby Cannavale) und einer Flasche Whiskey als Hauptdarsteller.

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© Courtesy sixpackfilm

Die Dokumentation von Yvette Löcker erzählt die Geschichte von Victoria und Siaka, einem Paar Mitte dreißig, das sich nichts sehnlicher wünscht, als in Wien ein gemeinsames, normales Leben zu führen. Doch die gesellschaftlichen Hürden sind hoch – insbesondere für Siaka, der aus Gambia stammt und in Österreich nur schwer Fuß fassen kann. Auf dem Arbeitsmarkt bleiben ihm lediglich einfachste Hilfstätigkeiten, wie das Spülen in einer Restaurantküche, und im Alltag wird er immer wieder mit Diskriminierung konfrontiert. In der ersten Szene von Ivette Löchers Dokumentation UNSERE ZEIT WIRD KOMMEN steht Siaka vor einem Café. Sichtlich aufgebracht spricht er direkt in die Kamera und schildert, wie er ohne erkennbaren Grund von zwei Männern attackiert wurde. Doch als die von couragierten Gästen alarmierte Polizei eintraf, nahm sie nicht die Angreifer ins Visier – sondern ihn. Statt Schutz zu bekommen, wurde er grob behandelt und mit Verdächtigungen überhäuft. Momente wie diese geben eine Idee davon, was es bedeuten kann, als schwarzer Mensch derzeit in Österreich zu leben.

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© Coop Vidéo de Montréal

Paul lebt in Montreal. Er leidet unter Depressionen und sozialen Ängsten. Außerdem ist er übergewichtig und möchte Gewicht verlieren. Auf seinem Instagram-Kanal postet Paul kurze Videos aus seinem Leben. Er berichtet über seine Probleme und seine Pläne, sein Leben zu ändern. Viele seiner Videos zeigen Paul bei einer ungewöhnlichen Beschäftigung: Er putzt die Wohnungen von Frauen und schlüpft bei seinen Putzdiensten in eine submissive Rolle. Paul gewinnt als „Cleaning Simp Paul“ mit seinen Posts viele Follower. Im Lauf von Denis Côtés dokumentarischem Film zeigt sich, dass diese Beziehungen von Paul zu seinen Dommes therapeutische Wirkung haben.

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© Iván Fund, Laura Mara Tablón, Gustavo Schiaffino / Rita Cine, Insomnia Films

Es kann vorkommen, dass Menschen von ihren Haustieren sinnstiftende Nachrichten empfangen möchten. Sei es, weil Lumpi ohne erklärlichen Grund auf einmal nicht mehr fressen will. Oder weil Fiffi seit Tagen im Wald herumstreunt und Frauchen sich Sorgen macht, ob es ihr da draußen gut geht. In Iván Funds Wettbewerbsbeitrag EL MENSAJE (THE MESSAGE) ist ein kleines Mädchen dazu in der Lage, Nachrichten von Tieren zu channeln und sie bei Bedarf an die Besitzer zu übermitteln. Weil sich damit Geld machen lässt, ziehen Myriam und Roger mit ihrem Pflegekind Anika in einem klapprigen Camper durch die argentinische Pampa – von Klient zu Klient.

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Nach 11 Jahren ist der US-amerikanische Regisseur Richard Linklater wieder auf der Berlinale. Für BOYHOOD erhielt er 2014 den Silbernen Bären für die beste Regie. Damals wie heute mit dabei: Ethan Hawke, der in BLUE MOON die Hauptrolle des Songwriters Lorenz Hart spielt

Einer auf der Bühne war 2014 garantiert noch nicht mit dabei:

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© Privatarchiv Hildegard Knef

Wenn eine Frau in den 1950er Jahren in Deutschland Karriere machen wollte, musste sie sich anpassen – Hildegard Knef tat in vielerlei Hinsicht genau das Gegenteil und hatte trotzdem Erfolg. Regisseurin Luzia Schmid zeichnet in ihrem Dokumentarfilm mithilfe von Archivaufnahmen aus sechs Jahrzehnten, Interviews, O-Tönen und Auszügen aus Knefs autobiografischen Büchern das Porträt einer außergewöhnlich vielseitigen Künstlerin. Eine Frau, die als Schauspielerin, Sängerin und Autorin nicht nur ihre Zeit herausforderte, sondern ihr weit voraus war. Für ihren Mut, sich den Erwartungen der männlich dominierten Nachkriegszeit zu widersetzen, zahlte Hildegard Knef einen hohen Preis. Ihr Leben war geprägt von großen Erfolgen und tiefen Abstürzen – und spielte sich nahezu vollständig vor den Augen der Öffentlichkeit ab. Die Presse feierte sie einerseits mit zahlreichen Homestories, attackierte sie jedoch ebenso oft gnadenlos. Ihre Ehen, Scheidungen, Krankheiten, Finanzkrisen und Schönheitsoperationen wurden genüsslich ausgeschlachtet und waren allgegenwärtiges Thema in den Medien.

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© Alexander Griesser

Cooles Gedankenexperiment: Was wäre, wenn die eigene Teenager-Tochter plötzlich übersinnliche Fähigkeiten entwickelt und alles, wirklich ALLES mitbekommt, was die Eltern so in ihrer Abwesenheit tun? Unangenehme Vorstellung, nicht wahr? Frédéric Hambalek hat aus dieser Idee einen großartigen Film gemacht: WAS MARIELLE WEISS ist eine tiefschwarze Komödie mit Herz und Verstand - und ein echter Lichtblick im Berlinale-Wettbewerb.

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Von links nach rechts: Lisabona Rahman, Regisseurin Yihwen Chen, Faris, Yon und Yoyo

Die Berlinale 75 ist zugleich die letzte Berlinale für das Arsenal am Potsdamer Platz. Gestern Abend zeigte sich, was dieses Kino so besonders gemacht hat. Schon vor der Vorführung des Films QUEER AS PUNK war die Stimmung am Kochen, und als die Bandmitglieder der LGBT-Punkband „Shh...Diam!“ dann nach der Vorstellung auf die Bühne kamen, gab es kein Halten mehr.

Natürlich sind Faris, Yon und Yoyo die Säulen von QUEER AS PUNK. Insbesondere die Schlagfertigkeit und Ironie des Transmanns Faris verleihen dem Film eine unterhaltsame Leichtigkeit – trotz des ernsten Themas.

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© Aline Arruda

Mit geschwollenem Auge und blutender Schramme sitzt Gal in einer Polizeistation in São Paolo. Sie will den Mann anzeigen, mit dem sie zusammenlebt. Im Gespräch mit der zuständigen Mitarbeiterin zuckt ihr Gesicht nervös, auch ihr Körper gibt sich ständig selbst „einen Ruck“. Man merkt: Sie hat allen Mut zusammengenommen, um diesen Schritt zu gehen. In ihren Augen spiegeln sich Härte und Entschlossenheit, aber auch Angst. Nur wenn sie von ihren beiden Kindern spricht, löst sich die Anspannung für einen Moment. Letztlich schreckt sie dann doch vor den Konsequenzen einer Anzeige zurück – und beschließt, einen anderen Weg zu wählen.

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Ibrahim Arslan und eine der Briefeschreiberin von 1992, © inselfilm produktion

Als die Regisseurin Martina Priessner vor fünf Jahren begann, DIE MÖLLNER BRIEFE zu drehen, hätte sie nicht gedacht, dass wir in Deutschland noch einmal an dem Punkt stehen würden, an dem wir uns heute befinden. Beim Publikumsgespräch nach der Vorführung des Films im Cubix 5 am Alexanderplatz verband sie ihre Worte mit einem dringenden Appell, am 23. Februar wählen zu gehen. Priessners Film macht deutlich, warum.

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© 2025 Warner Bros. Entertainment Inc. All Rights Reserved

Was kommt dabei heraus, wenn man Robert Pattinson, einen irren Sci-Fi-Plot, liebenswerte Riesenasseln mit akustischem Talent zum Hochfrequenzbereich, einen größenwahnsinnigen Politiker-Milliardär und einen genial-radikalen koreanischen Filmemacher miteinander kombiniert? Ein Bandwurmsatz, sorry. Und ein toller Film. MICKEY 17 von PARASITE-Regisseur Bon Joon Ho ist ein absolutes Highlight der Berlinale.

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© Flare Film/Chromosom Film

Irgendwo in der sächsischen Provinz im Jahr 2006. Vater, Mutter und zwei Söhne stehen auf einer Hausbaustelle und schauen erwartungsvoll auf eine Glühbirne. Stolz drückt Vati auf den Lichtschalter, Mutti sagt „endlich haben wir Strom“ und die Kinder freuen sich. Dann flackert die Glühbirne und das Licht geht aus. Allen ist schlagartig klar: Das Leben bleibt eine Baustelle.

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© Wolfgang Ennenbach / One Two Films

So viel Spoiler sei erlaubt: wer erwartet, etwas vom Köln Konzert zu hören, wird enttäuscht sein. Kein einziger Tastenschlag des legendären Konzerts wird erklingen. Aber das ist ja auch das Prinzip des Films. Die Off-Stimme stellt es gleich zu Beginn klar und bemüht einen Vergleich mit Michelangelo: Die Deckenmalereien in der Sixtinischen Kapelle in Rom sind atemberaubend – aber ist es nicht ein Wahnsinn, dass überhaupt ein Gerüst gebaut wurde, um in dieser Höhe malen zu können? OK, verstanden! Doch ist das "Gerüst" des Köln Konzerts wirklich so spannend, dass es einen abendfüllenden Kinofilm tragen kann? Ja - denn das Gerüst heißt Vera Brandes.

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James Benning beantwortet Fragen nach der Berlinale-Premiere im Delphi Filmpalast.

„Der Film ist wirklich deprimierend“, sagt Regisseur James Benning mit entschuldigendem Lächeln nach der Berlinale-Premiere über seinen Dokumentarfilm LITTLE BOY. Ja, das kann man definitiv sagen. Der Film ist deprimierend. Er ist deprimierend, weil wir Ausschnitte aus sieben politischen Reden zwischen 1960 und 2016 hören. Reden über Frieden und Krieg, soziale Probleme und Umweltzerstörung – und haben wir das Gefühl, dass die Themen dieselben geblieben sind, ohne dass wir einer Lösung nähergekommen sind. Und zum Abschluss gibt es dann noch einige Worte von US-Präsident Harry S. Truman zum Abwurf der ersten Atombombe, also von „Little Boy“, auf Hiroshima im Jahr 1945. Fürwahr deprimierend.

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© Match Factory Productions, Wildside

Die 15-jährige Leo (Juli Grabenhenrich) erfährt zufällig, dass ihr biologischer Vater als Surflehrer an der Küste Norditaliens lebt. Nach einem Streit mit ihrer Mutter beschließt sie, sich heimlich und ohne Geld auf die Suche nach ihm zu machen. Im Gepäck hat sie nicht nur viele Fragen, sondern auch jede Menge Wut. Vor allem möchte sie wissen, warum sich ihr Vater nie um sie gekümmert hat, obwohl er von ihrer Existenz wusste. Als sie es tatsächlich schafft, ihren Vater in Norditalien aufzuspüren, beginnt für beide eine aufwühlende Zeit des Kennenlernens – geprägt von Nähe und Distanz, Anziehung und Ablehnung.

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© Orit Azoulay

Der Film von Regisseur Tom Shoval ist in jeder Hinsicht außergewöhnlich. Als Film ist er eine Meisterleistung, zugleich ein schmerzhaftes Zeitdokument über die Grauen des 7. Oktobers. An jenem Tag werden zahlreiche Gemeinden im Süden Israels angegriffen, verwüstet, niedergebrannt. Die Hamas ermordet 1.200 Menschen, viele weitere werden entführt. Besonders hart trifft es den Kibbuz Nir Oz.

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© Geko Films- Blue Monday Productions - ARTE France - PICTANOVO - Wrong Men - 2025

Nah, ganz nah sind wir der Hauptfigur: einem sensiblen jungen Grundschullehrer, der an sich und der Welt zu zerbrechen droht. Die Kamera erforscht vorsichtig seine magere Gestalt, die wachen blauen Augen, das Lächeln, die langgliedrigen Hände, das Gesicht, das strahlend offen sein kann oder aus Angst und Wut zur Maske erstarrt. ARI heißt die Hauptfigur in dem Wettbewerbs-Beitrag der Französin Léonor Serraille, und so heißt auch der Film. Ari trägt die sanfte, stark machende Zuwendung seiner früh verstorbenen Mutter in sich, aber er schafft es selten, diese innere Kraft im turbulenten Schulalltag erfolgreich einzubringen. Es ist schwer, die quirligen Kinder bei der Stange zu halten, und allzu oft bricht das blanke Chaos über ihn und die Klasse herein. Bei einem Besuch der Schulinspektorin erleidet er einen Zusammenbruch und kündigt daraufhin seinen Job. Worauf der Vater ihn vor die Tür setzt. Nun muss sich der junge Mann auf die Suche machen – nach etwas in seinem Inneren, dass ihm hilft, zu leben.

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© Courtesy of BFI Distribution

Für ihre Rede bei der Eröffnungsgala wurde Tilda Swinton schon zu Recht ausgiebig gefeiert. Diese Stil-Ikone, bei der alles perfekt sitzt; auch und besonders die Worte. Sie hat es geschafft, die Wertschätzung gegenüber der Berlinale auszudrücken, und trotzdem ihre klare Haltung zu Menschenrechtsfragen anzudeuten, mit dem Verweis auf Gaza. Und nun sollte einen Tag später noch ein ziemlich alter Film mit ihr laufen, von dem ich noch nie gehört hatte.

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Natürlich wünscht man sich etwas anderes zu der Weltpremiere seines Films. Doch abseits des Wettbewerbs haben es Film nun mal schwer, Aufmerksamkeit zu bekommen - und so muss man mit einer Handvoll Journalisten zufrieden sein, die zu der Pressekonferenz erscheinen. Dabei ergibt sich dann dann auch zum Glück die Gelegenheit für Regisseur Ido Fluk, das Geheimnis zu lüften, warum es in KÖLN 75 vom eigentlichen Konzert nichts zu hören gibt.

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© Rolf Konow

Im Mittelpunkt von HJEM KAERE HJEM steht die junge Sofie (Jette Søndergaard), die in einem kleinen dänischen Ort einen beruflichen Neuanfang wagt. Sie nimmt eine Stelle als Pflegekraft bei einem ambulanten Pflegedienst an. Schon in den ersten Szenen des Films wird deutlich, warum diese Arbeit als "Dienst am Menschen" bezeichnet wird. Kaum ein anderer Beruf erfordert eine derart enge, oft intime Verbindung zu anderen Menschen wie die häusliche Pflege, insbesondere bei schwerkranken, alten Patienten. Der Arbeitsalltag von Sofie ist geprägt von Zeitdruck, Bürokratie, schlechter Bezahlung und wenig gesellschaftlicher Anerkennung. Trotz der enormen physischen und psychischen Belastung bemüht sie sich von Anfang an, innerhalb ihres eng getakteten Dienstplans eine persönliche und liebevolle Beziehung zu den von ihr betreuten Senioren aufzubauen. Diese Hingabe macht Sofie schnell beliebt bei ihren Kunden und Kollegen, doch sie zahlt dafür einen hohen persönlichen Preis

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© 2024 Searchlight Pictures

Als die Dylanologen hörten, dass eine Frau (eine Frau!) auf dem Newport Folk Festival von 1965 „Judas!“ schrie und Gott von der Bühne zurückgrummelte „I don’t believe you“, zerrissen die Dylanologen ihre Kleider, eilten hinaus unter das Volk und riefen: James Mangold, was tust Du? Und die Dylanologen keppelten und keiften. Denn hatte sich jener Wortwechsel zwischen einem erzürnten Mann (Natürlich ein Mann, wie könnte es auch anders sein? Seit Jahrzehnten streiten sich mehrere Männer um die Ehre, völligen Blödsinn geschrien zu haben.) und Gott nicht in Wahrheit in der Free Trade Hall zu Manchester am 17. Mai 1966 zugetragen? ICH aber sage Euch: Es ist völlig wurscht, wer an welchem Tag wo „Judas!“ gerufen hat: God didn’t give a shit anyway, god and his band were playing „fucking loud“.

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© Nikos Nikolopoulos / MUBI

Um es gleich vorwegzusagen: Das einzig wirklich Gute an dem Film ist Fiona Shaw. Dazu ein paar toll gespielte Mutter-Tochter-Psychowahnsinn-Szenen. Eine Handvoll komischer Momente, in denen ein Messer, eine Schlange und bärtige Machos eine Rolle spielen. Und ein paar schöne Flamenco-Einlagen von Kindern am Strand (das aber nur, wenn man Flamenco sehr mag). Ansonsten ist der Wettbewerbsbeitrag HOT MILK der renommierten Dramatikerin und Drehbuchautorin Rebecca Lenkiewicz, die hier erstmals Regie führte, leider eine ziemliche Vollkatastrophe. Überambitioniert, überladen, gestelzte Dialoge. Alles doppelt und dreifach ausbuchstabiert wie in einem Proseminar. Eine komplett überflüssige Liebesgeschichte, die sich in jeder Sekunde künstlich, gewollt und unglaubwürdig anfühlt. Drehbuch und Regie funktionieren einfach nicht. HOT MILK wäre dem Berlinale-Wettbewerb besser erspart geblieben.

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Die Erwartungen an Timothée Chalamet sind hoch. Im vergleichsweise kleinen Staraufgebot der Berlinale soll er für Glanz und Glamour sorgen. Entsprechend groß war heute auch der Fan-Andrang vor dem Hyatt Hotel, wo er als einziges Mitglied der Filmcrew des Bob-Dylan-Biopics A COMPLETE UNKNOWN eine Pressekonferenz gab.

Seit zwei Monaten reist er nun um die Welt, um den Film von James Mangold vorzustellen – eine vergleichsweise kurze Zeit im Gegensatz zu den fünf Jahren, die er sich auf diese Rolle vorbereitet hat. Eines wird schnell klar: Er ist ein leidenschaftlicher Fan von Dylan, Mangold und dem Film selbst.

In Berlin zeigt sich Chalamet zwar übermüdet, aber dennoch gut gelaunt. Ein BVB-Shirt trägt er übrigens nicht – es ist ein Vintage-Shirt aus den 90ern des US-Fußballclubs Columbus Crew.

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Pressekonferenzen anlässlich der Verleihung des Ehrenbären sind immer etwas Besonderes. Statt Lobhudelei und Filmpromotion gibt es die Gelegenheit, tiefer in die Welt einer Filmkünstler:in einzutauchen. Die Gespräche mit Michael Ballhaus, Martin Scorsese und Steven Spielberg sind mir hier besonders in Erinnerung geblieben. Ob das gelingt, liegt natürlich stark an der Moderation. Die neue Festivalchefin Tricia Tuttle begnügte sich mit 3 Sätzen zur Einleitung und überließ dann Tilda Swinton den Fragen der Journalist:innen. Eine gute Idee?

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Selten bekommt man zwei Wünsche gleichzeitig erfüllt. Dieses Jahr scheinen aber Weihnachten und die Berlinale zusammenzufallen.

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© Frederic Batier / X Verleih

Eine dysfunktionale Familie der Berliner Awareness-Bohème, eine aus Syrien geflüchtete Frau, die ihre eigene Familie zurücklassen musste, und eine geheimnisvolle Lampe mit heilenden Kräften: Das sind die Zutaten für Tom Tykwers DAS LICHT, den Eröffnungsfilm der Berlinale. 162 Minuten lang wird hier eine Geschichte von Selbstverleugnung und Erkenntnis, Einsamkeit und Zusammenhalt, Schmerz und Heilung erzählt, die sich zwischen allen Genres und Realitätsebenen bewegt, mal komisch, mal tragisch, mal ernst und mal albern über die Leinwand fegt. Das funktioniert zum Teil sehr gut, und zum Teil leider gar nicht.

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Quelle: Deutsche Kinemathek © Beta Film

EINER VON UNS BEIDEN ist das Spielfilmdebüt von Wolfgang Petersen aus dem Jahr 1974. Es ist ein Film über das Psychoduell zweier sehr verschiedener Männer und ein Film über zwei sehr verschiedene Berliner Milieus – Wannsee und Kreuzberg. Dass sich aus der Konfrontation eines Soziologieprofessors (Klaus Schwarzkopf) und eines gescheiterten Soziologiestudenten (Jürgen Prochnow) so viel Spannung ziehen lässt, zeigt auch nach 50 Jahren, wie einfach es ist, einen Klassefilm zu machen: Man braucht nur gute Darsteller – neben Schwarzkopf und Prochnow, Elke Sommer, Otto Sander, Claus Theo Gärtner und Berta Drews (!), ein herausragendes Drehbuch von Horst Bosetzky alias -ky und einen Regisseur mit interessanten Ideen, der sich auf das Wesentliche konzentriert. It’s the story, stupid!

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© One Two Films

Was macht so ein Künstler bloß den lieben langen Tag? Linda Rosenkrantz, Autorin des "nonfiction-fiction" Romans "Talk" und bestens vernetzt in der New Yorker Kunstszene, wollte das 1974 genauer wissen. Sie bat einige ihrer Kunstfreunde, über einen beliebigen Tag ihres Lebens minutiös Buch zu führen. Danach unterhielt sie sich mit ihnen darüber und nahm das Gespräch auf Tonband auf. So auch mit dem Fotografen Peter Hujar – der erst nach seinem viel zu frühen Tod 1987 wirklich bekannt wurde. Das Tape selbst ist bis heute verschollen, vor einigen Jahren tauchte jedoch ein Transkript auf. Rosenkrantz veröffentlichte „Peter Hujar’s Day“ 2021 schließlich doch noch als Buch – und Independent-Filmemacher Ira Sachs hat nun daraus einen überraschend spannenden Film gemacht, der mit Ben Wishaw in der Titelrolle im Panorama der Berlinale läuft.

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© Studiocanal

Er hat gegen Nicole Kidman gekämpft und mit der Queen Tee getrunken! Er hat Hugh Grant als Bösewicht mit gespaltener Persönlichkeit überlebt und einen fiesen Männerknast in einen rosa Traum verwandelt. Und er hat die Herzen von Millionen Kinozuschauern erobert – kleinen wie großen. Leider hat Paddington seine Fans auch fast acht Jahre lang auf den dritten Film der Reihe warten lassen. Nun ist „Paddington in Peru“ endlich in den deutschen Kinos gestartet. Das hat uns so gefreut, dass an dieser Stelle ein kleiner Schlenker von der üblichen Festival-Berichterstattung auf Festivalblog zu „Jenseits vom Festival“ erlaubt sei!

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© Brigitte Lacombe

Die Berlinale ehrt die schottische Schauspielerin Tilda Swinton bei den 75. Internationalen Filmfestspielen Berlin mit dem Goldenen Ehrenbären für ihr Lebenswerk. Die Verleihung findet am 13. Februar 2025 während der Eröffnungsgala im Berlinale Palast statt.

Swinton hat in ihrer Karriere u.a. mit den Regisseuren Derek Jarman, Jim Jarmusch, Luca Guadagnino und Bong Joon Ho zusammengearbeitet. Ihre Rollen umfassen Werke wie ORLANDO (1992), MICHAEL CLAYTON (2007) und ONLY LOVERS LEFT ALIVE (2013). Zuletzt war sie in ASTEROID CITY (2023), THE KILLER (2023) und THE ROOM NEXT DOOR (2024).

Die Berlinale hat für Swinton eine besondere Bedeutung, da sie 1986 mit Derek Jarmans Caravaggio erstmals das Festival besuchte. Seitdem war sie in 26 Filmen des Berlinale-Programms vertreten. 2009 war Tilda Swinton Jurypräsidentin des Festivals.

CineCoPro Award

TO A LAND UNKNOWN von Mahdi Fleifel

CineMasters Award

EINE ERKLÄRUNG FÜR ALLES von Gábor Reisz

CineVision Award

SIMÓN DE LA MONTAÑA von Federico Luis

CineRebels Award

VIÊT AND NAM von Minh Quý Trang

CineKindl Award

LARS IST LOL von Eirik Sæter Stordahl

Young Jury Award

HOARD von Luna Carmoon

Publikumspreis National

FÜHRER UND VERFÜHRER von Joachim A. Lang

Publikumspreis International

Samia von Yasemin Samdereli

Publikumspreis CineKindl

DÌDI von Sean Wang

FIPRESCI-Preis (Filmkritik)

SAD JOKES von Fabian Stumm

Nach einer Woche kann das Filmfest München zum Abschluss der diesjährigen Ausgabe sehr gute Zahlen vermelden: bei den rund 500 Filmvorführungen gab es 71000 Besuche. Zum Filmfest kamen u.a. Kate Winslet, Viggo Mortensen, Jessica Lange, Isabelle Huppert und Trine Dyrholm. Entsprechend begeistert äußern sich Christoph Gröner und Julia Weigl, das Leitungsduo des Filmfest München: "Ein wunderbar offenes Publikum hat ein Festival der Entdeckungen wirklich angenommen und gefeiert. Kino hat einfach die Kraft, Menschen zu verbinden – wir danken für die Neugier, den Jubel und die Begeisterung für Kino und Fernsehen in all seinen Facetten."