Filmstill aus HEIMAT IST EIN RAUM AUS ZEIT von Thomas Heise

Cannes, Venedig, Berlin, Locarno...Linz? So richtig hat man Linz nicht auf seinen Festivalfahrplan. Zu Unrecht! Bereits seit 2004 kuratiert Christine Dollhofer jedes Frühjahr beim Linzer Filmfestival Crossing Europe eine feine Auswahl von europäischen Filmen, die auf den A-Filmfestival in Venedig, Berlin oder Cannes gesichtet wurden. Wie bei anderen "Nachspielfestivals" hat dies für den Zuschauer den großen Vorteil, dass man hier gezielt in Publikumslieblinge und Presse-Favoriten gehen kann. Bei Premierenfestivals muss man sich dagegen immer wieder überraschen lassen. Das geht auch oft nicht so gut aus.

Die zeitliche Nähe zur Berlinale macht sich durchaus bezahlt. Mit zwei Monaten Abstand steht man nicht mehr im Schatten des A-Festivals, profitiert aber noch immer von der positiven Berichterstattung einiger Filme, die sich dann auch im Crossing Europe Programm wiederfinden.

Unter den 160 Spiel-, Dokumentar- und Kurzfilmen sind u.a. der auf der Berlinale 2019 hochgelobte Dokumentarfilm HEIMAT IST EIN RAUM AUS ZEIT von Thomas Heise, der Preisträger SYSTEMSPRENGER von Nora Fingscheidt (Silberner Bär Alfred Bauer Preise) sowie die Entdeckungen MONȘTRI von Marius Olteanu.

GOLDENER BÄR FÜR DEN BESTEN FILM

SYNONYMES (SYNONYMS) von Nadav Lapid

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Die Gunst des Panorama Publikums haben 2019 37 SECONDS und TALKING ABOUT TREES gewonnen. Beide Filme wurden bereits bei den Kino-Vorführungen vom Publikum gefeiert.

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Mit den "inoffiziellen" Awards wurden u.a. SYSTEMSPRENGER, HER NAME IS PETRUNYA, MONȘTRI und 37 SECONDS ausgezeichnet.

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Dieter Kosslick mit Michael Ballhaus (Berlinale 2016)

Das war sie nun (fast): die letzte Berlinale von Dieter Kosslick. Bei der Vergabe der "inoffiziellen" Preise heute Mittag fand Kosslick in seiner Rede deutliche, für seine Verhältnisse unverspaßte, Worte. Es hielt ein Plädoyer für das Filmfestival, insbesondere für das politische Filmfestival.

In den letzten Berlinale Jahren war Kosslick von einem Teil der Filmpublizistik stark kritisiert worden. Ich habe die Kritik oft als unangenehm besserwisserisch empfunden, insbesondere im Tonfall. Meine erste Berlinale war 1991 noch unter Moritz de Hadeln, aber die erste Berlinale von festivalblog war 2005, vier Jahre nach dem Kosslick übernommen hatte.

Aus meiner Sicht hat Kosslick in seiner Zeit die Berlinale von seinem Film-Elfenbeinturm hinuntergeführt und das filminteressierte Publikum mit offenen Armen in die Berlinale Kinos eingeladen.

Dafür und für manches andere gebührt "dem Dieter" ein fettes DANKE SCHÖN!

...aber wer? Wen wird die Festival-Jury um Juliette Binoche 2019 mit den Goldenen Bären auszeichnen? Tipps zum Goldenen Bären und dem Rest der Bärenfamilie sind wie immer willkommen : )

Im Dunkeln sitzen sie zusammen. Aus einer Plastikflasche füllt sich Ibrahim Schnaps in sein Glas. Aus gemeinsamen Erinnerungen entstehen im Gespräch träumerische Bilder von einem Kino, das es nicht mehr gibt.

In DER MANN OHNE EIGENSCHAFTEN von Robert Musil gibt es folgende Stelle: "Wenn es Wirklichkeitssinn gibt, muß es auch Möglichkeitssinn geben."

Die Bemühungen, mit denen die sudanesischen Regisseure und Filmschaffende versuchen, eines der stillgelegten Kinos wieder für eine große Vorstellung zu öffnen, könnte nicht besser beschrieben werden.

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Bild Supermodels - Copyright Peter Lindbergh

Peter Lindbergh macht keine großen Worte um seine Kunst. Es scheint ihm zu widerstreben, sein Werk zu hinterfragen. Lieber lässt er seine Fotos für sich sprechen.

Allein der Ansatz von PETER LINDBERGH – WOMEN'S STORIES sorgt daher für einen schalen Nachgeschmack. Da Jean Michel Vecchiet von Lindbergh nicht die Antworten bekommt, die er für seinen Dokumentarfilm braucht, interviewt er Schlüsselfiguren aus seinem Leben, u.a. Lindberghs Schwester und seine Ehefrauen.

Die Herangehensweise von Vecchiet ist der Arbeitsweise des berühmten Fotografen diametral entgegengesetzt. Tänzelnd und mit viel Empathie löst Lindberg die Stimmung am Set. Obwohl er eine Vorstellung hat, was er fotografieren möchte, versucht er nichts zu erzwingen. Das psychologisierende Aufbereiten der Familiengeschichte Lindberghs in Vecchiets Film fühlt sich dagegen an wie eine permanente Grenzüberschreitung.

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Vor langer Zeit habe ich mal eine Postkarte bekommen. Darauf stand "In der Liebe gibt es immer drei Wahrheiten: meine, deine und die Gottes". Es muss nicht gleich Gott sein, aber ja - es gibt eine Ebene der dritten Wahrheiten.

Es ist daher folgerichtig, wie Marius Olteanu seinen Film MONȘTRI aufbaut. Im ersten Teil widmet er sich Dana. Sie fährt in einem Taxi durch die Nacht. Vor ihrem Wohnhaus wartet sie, zusammen mit einem wortkargen und frustrierten Taxifahrer.

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Wenn eine Regisseurin einen Film über ihre eigenen Filme und ihre visuelle Kunst macht und dieser Film dann auch noch zum Teil aus ihren eigenen Vorträgen besteht, dann könnte das fürchterlich öde werden. Bei Agnès Varda wird keine Sekunde langweilig. In VARDA PAR AGNÈS, den die Berlinale im Wettbewerb zeigt, hält sich die 90-jährige, die in diesem Jahr auch die Berlinale Kamera erhielt, an ihr eigenes künstlerisches Credo: Inspriation, creation, partage – Inspiration, Kreativität, teilnehmen lassen. Ihr größter Alptraum als Regisseurin? „Ein leerer Kinosaal.“

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Eine nackte Frauenleiche, ein junger Polizist und eine Hirtin und ihr Trampeltier verbringen gemeinsam eine bitterkalte Nacht mitten im Nichts in der mongolischen Steppe. Irgendwo in der Umgebung gibt es auch noch eine Wölfin. Deshalb hat der Kommissar der Hirtin befohlen, den jungen Polizisten zu beschützen. Denn sie hat auch ein Gewehr und kann damit umgehen. Am nächsten Morgen wird der Kommissar mit der Spurensicherung wiederkommen.

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Wir begleiten drei chinesische Paare, eine Single-Frau und drei Kinder als Kino-Zuschauer über drei Stunden hinweg durch ihr Leben – oder auch über einen Zeitraum von 40 Jahren, je nach Sichtweise. Kulturrevolution, Ein-Kind-Politik, Wirtschaftsreform und Turbo-Kapitalismus sind die politischen und gesellschaftlichen Eckpunkte, die – ebenso wie eine private Tragödie – tief gehende Spuren im Leben der Protagonisten hinterlassen. Oder sollte man besser von Narben sprechen? Meisterlich breitet Regisseur Wang Xiaoshuai in DI JIU TIAN CHANG ein Tableau ineinander verschränkter Handlungsstränge, Zeitebenen und Emotionen vor uns aus – und macht damit eindrücklich erfahrbar, was sonst gern als wohlfeiles Diktum behauptet wird: dass das Private und das Politische untrennbar miteinander verwoben sind.

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Wenn zwei Frauen sich lieben, kann man das entweder ganz normal finden oder Himmel und Hölle in Bewegung setzen, um diese vermeintliche „Abnormität“ zu verhindern. Im Argentinien des späten 19. Jahrhunderts standen die Chancen für lesbische Frauen schlecht, ihr Lebensglück zu verwirklichen – oder sie mussten sehr trickreich vorgehen. Die aus Barcelona stammende Regisseurin Isabel Coixet hat mit ELISA Y MARCELA eine verblüffende Geschichte verfilmt, die auf wahren Begebenheiten basiert: 1901 heirateten die gebürtigen Argentinierinnen Elisa Sánchez Loriga und Marcela Gracia Ibeas in Nordspanien – Elisa mit Kurzhaarschnitt, Männerklamotten, falschem Namen und falschem Schnauzer als Bräutigam verkleidet. Nicht lange, und das Paar wurde enttarnt und musste nach Portugal fliehen. Eine spannende, außergewöhnliche und anrührende Geschichte – nur leider fällt Coixets Netflix-Produktion dem unbedingten Willen zur Schönheit zum Opfer.

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Gleich an seinem ersten Morgen in Paris steht Yoav buchstäblich nackt da – jemand hat ihm in der riesigen, leerstehenden Wohnung, in der er übernachtet hat, Kleider, Rucksack und Gepäck geklaut, während er unter der Dusche stand. Im Grunde will der junge, innerlich offenbar tief verstörte Israeli ohnehin alles ablegen, was ihn mit seinem Heimatland verbindet – aber der Start ins Französischsein ist angesichts der winterlichen Temperaturen und fehlenden Heizung erst einmal vor allem eines: verdammt kalt.

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Kenny und Destyne sind Kinder. Kenny und Destyne sind auch Boxer. Sie haben denselben Traum: Erst wollen sie zu den Olympischen Spielen und dann als Profi Karriere machen. Einen anderen Traum, es nach oben zu schaffen, gibt es für afroamerikanische Jungs, die in Chicagos South Side aufwachsen, eigentlich auch nicht. Das wird in André Hörmanns Dokumentarfilm schnell klar. 2012 sind die beiden junge Erwachsene und die Träume geplatzt: Kenny ist früh in den Qualifikationskämpfen für die US-Olympiamannschaft gescheitert und Destyne sitzt im Gefängnis, weil er an mehreren Raubüberfällen beteiligt war. RINGSIDE beweist einmal mehr, dass einige der besten Berlinale-Filme in der Sektion Generation 14plus gezeigt werden.

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In unseren Vorstellungen folgen Raum und Zeit nicht Distanz und Sequenz. Sie fallen zusammen, auseinander und ordnen sich dann wieder selbst. "Letztes Jahr war ich in Fukuoka. Es kommt mir sehr lange her vor" sagt Zhang Lu nach dem Film. "Dagegen fühlt sich der Besuch von vor 10 Jahren noch ganz frisch an."

Vor 28 Jahren haben sich die Wege der ehemaligen Freunde Hae-hyo und Jea-moon getrennt. Nun führt die junge So-dam die beiden in der japanischen Stadt Fukuoka wieder zusammen.

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Philip sitzt im Zimmer des Schuldirektors. Der Direktor schaut aus dem Fenster auf den Schulhof. Er sieht, wie eine Frau über den Schulhof rennt. Sie kommt zur Tür hinein. Er geht aus dem Zimmer, lässt beide allein. Die Frau kniet auf dem Boden und umklammert die Beine des sitzenden Jungen. Es wird kein Wort gesprochen.

Die Bilder von Angela Schanelec sind eine Aneinanderreihung von Gemälden. Ihre Komposition ist ästhetisch bestechend. Es wird wenig gesprochen. Wenn gesprochen wird, dann in einem künstlichen Rezitationsstil, wie bei einer Theateraufführung. ICH WAR ZUHAUSE, ABER würde unglaublich gut als Comic funktionieren. Auch der Comic reduziert aus der Begrenztheit seiner Form heraus.

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Wenn man eine Großmutter hat, die wie Catherine Deneuve aussieht, warmherzig und verständnisvoll ist, und obendrein wunderschöne Pferde inmitten einer paradiesischen Landschaft züchtet – warum will man dann im Krieg für den IS Ungläubige abschlachten? Dass diese Frage so penetrant im Vordergrund steht und offensichtlich eine Beantwortung nicht vorgesehen ist, das ist der entscheidende Schwachpunkt in André Téchinés Drama L’ADIEU À LA NUIT. Großartig gespielt von der Deneuve als Großmutter und Kacey Mottet Klein als radikalisierter Enkel, darbt der außer Konkurenz laufende Wettbewerbsbeitrag an seinem unbedingten Willen, Argumente gegen terroristische Radikalisierung allzu holzschnittartig im Versuchsaufbau der Figuren und der Handlung zu implementieren.

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Mit 15 möchte jeder gerne cooler sein, als er ist. Nicola und seinen Kumpels aus dem Altstadtviertel Sanità in Neapel geht es da nicht anders. Nur, dass die Wege, an Coolness (sprich: Geld, Klamotten, Mädchen und das damit verbundene Ansehen) zu kommen im Herzen der Camorra-Stadt Neapel limitiert sind. Zumindest, wenn man nicht ohnehin stinkreich, sehr willensstark oder ein ganz großes Fußballtalent ist. Also das Übliche: Karriere in Sachen Drogendealen, Schutzgelder und Co. Aber statt sich mühsam hochzudienen, haben die Jungs eine andere Idee. Sie booten bei der ersten sich passenden Gelegenheit die alten Chefs aus und übernehmen die Herrschaft über das Stadtviertel ganz einfach selbst.

Mehr: " LA PARANZA DIE BAMBINI (PIRANHAS) von Claudio Giovannesi (Berlinale 2019) " »

In einem ziemlich runtergekommenen Dorf in der Karoo-Halbwüste in Südafrika heiraten Bakkies (De Klerk Oelofse) und Natalie (Nicole Fortuin). Natalie scheint schon bei der Trauung nicht besonders glücklich zu sein. In der Hochzeitsnacht agiert Bakkies nicht wie ein Ehemann, sondern wie ein Vergewaltiger. Am Ende einer desaströsen Nacht liegt der Pfarrer tot in seinem Blut und Natalie flieht auf ihrem Pferd zu ihrer schwangeren Freundin Poppie (Izel Bezuidenhout). Jetzt entwickelt die FLATLAND-Regisseurin und Drehbuchautorin Jenna Bass einen Plot auf den Thelma, Louise und Elmore Leonard gleichermaßen stolz gewesen wären. Denn die Verfolgung der beiden jungen Frauen nimmt Police Captain Beauty Cuba (Faith Baloyi) auf. Sie hat ein ganz besonderes Motiv den Fall aufzuklären: Ihrem Ex-Lover Billy, der gerade erst aus dem Gefängnis entlassen wurde, soll der Mord in die Schuhe geschoben werden.

Mehr: " FLATLAND von Jenna Bass (Berlinale 2019) " »

Manfred Volz singt. Eigentlich summt er mehr; in sich hinein. Als ob er Musik durch einen Kopfhörer hört. Dazu beschreibt er mit seinen Armen harmonische Kreise wie ein Tai-Chi Dirigent. Das macht er den ganzen Tag. Volz ist die Hauptfigur in Stefan Sicks überzeugender Dokumentation über die Bewohner in einem Heim für Demenzkranke.

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Wie entsteht Kunst? Aus welcher Quelle speist sich Kreativität? Wie positioniert man sich als Künstler zu drängenden politischen und sozialen Konflikten und wie kann man die Schicksale der Menschen, die in den Krisengebieten dieser Welt leben müssen, einer breiteren Öffentlichkeit zugänglich manchen? A DOG CALLED MONEY basiert auf den persönlichen Eindrücken, die PJ Harvey zwischen 2011 und 2014 auf ihren Reisen mit dem Regisseur und Kriegsfotografen Seamus Murphy in Afghanistan, im Kosovo und in Washington D.C. gewonnen hat. Wie in einem poetischen Puzzle arrangiert Murphy in seinem Film kunstvoll dokumentarisches Material aus den gemeinsamen Reisen mit Gedanken und Songtexten Harveys und rundet das Ganze ab durch Aufnahmen, die die Entstehung des letzten Studioalbums der Sängerin zeigen. Dabei ist sein Film weder ein klassischer Konzertfilm über eine berühmte Indie-Musikerin noch eine Reportage zur aktuellen Situation von Menschen in Krisengebieten. Entstanden ist vielmehr etwas Neues und faszinierend Anderes, vielleicht tatsächlich so etwas wie ein weltumspannender "homo sapiens blues".

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Die Brüder Stefan (Lars Eidinger) und Tobias (Hans Löw) treffen sich in einem hässlichen Designerrestaurant, das verzweifelt Klasse simuliert. Stefan hat es ausgesucht und fühlt sich wie zu Hause. Tobias fühlt sich unwohl und ist schon mit der Karte überfordert. Bereits nach Sekunden ist das Verhältnis zwischen den beiden klar: Stefan ist der erfolgreiche Karrierearsch, Tobias der Loser, der nichts auf die Reihe kriegt. Sie warten auf ihre Schwester Julia (Nele Mueller-Stöven). Die kommt zu spät. Ist nervös und zieht nicht einmal den Mantel aus, bevor sie sich an den Tisch sitzt. Offensichtlich hat sie ein Problem. Und zwar ein Problem, das größer ist als die Krankheit ihres Hundes Rocco, der im Auto wartet. Aber darüber will sie nicht reden. Die drei treffen sich, um über ihren Vater (Manfred Zapatka) zu sprechen. Der ist krank, geht aber nicht zum Arzt und wohnt mit der Mutter einige hundert Kilometer entfernt. Stefan hat keine Zeit, sich zu kümmern und Julia fährt mit ihrem Mann nach Turin, also wird Tobias zu den Eltern fahren. Das ist die Ausgangssituation von Edward Bergers ALL MY LOVING.

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Film Noir auf Chinesisch. Ein Mord auf der Baustelle: Spontane Proteste der Bevölkerung gegen die korrupte Baukommission in der Stadt Guangzhou in Südchina scheinen aus dem Ruder gelaufen zu sein. Der dicke Baukommissar ist tot. Die Witwe scheint hinter ihrer teuren Sonnenbrille zu trauern. Der einsame Held, ein junger Polizist Marke Alain Delon auf Chinesisch, traut dem Frieden nicht und beginnt zu wühlen. Er findet: Eine verbrannte und nie identifizierte Frauenleiche, eine Baufirma, die in den gesellschaftlichen und wirtschaftlichen Umbruchzeiten in China nach 1989 einen rasanten Erfolg hingelegt hat, einen zwielichtigen Strippenzieher im Hintergrund, „verlorene“ Polizeiakten, ein Liebesdreieck, das bald zum Liebesviereck, -fünfeck, -sechseck wird…und ihn selbst in seine Fänge zieht. Und das ist erst der Anfang.

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Endlich mal wieder asiatisches Kino genießen auf der Berlinale! THE SHADOW PLAY. Thriller aus China. Panorama-Beitrag. Der Kinosaal gefüllt mit gefühlt 90 Prozent Chinesinnen und Chinesen. Ich liebe es! Verstehe kein Wort von dem, was die vielen Menschen um mich herum so munter miteinander beplappern, aber es klingt meist gut gelaunt und eigentlich immer seeehr aufgeregt. Nichtverstehen ist manchmal richtig schön. Irgendwie entspannend. Die summende und sirrende Geräuschkulisse um mich herum macht mich ein wenig schläfrig und stimmt mich zugleich richtig gut auf den bald beginnenden Film ein. Der hat zum Glück Untertitel.

Der Blick der Kamera ruht jeweils für einige Sekunden auf tristen, verlassenen Gebäuden, die in ihrer blassen Monochromie fast im Schneegestöber untergehen. Erst eine Art Schuppen, dann eine Garage, ein Wohnhaus. Grobkörniges Filmmaterial, gedreht auf 16mm. Denis Coté, Kanadischer Regisseur, setzt bereits mit den ersten Bildern von RÉPERTOIRE DES VILLES DISPARUES (GHOST TOWN ANTHOLOGY) das Gefühl der Fremdheit und Abweisung, das sich durch den gesamten Film ziehen wird. Dann rast ein Auto durch den Schnee, durch eine scharfe Wendung des Lenkrads prallt es frontal gegen eine Mauer. Ein Knall, Stille. Drei Kinder in seltsam mittelalterlich anmutenden Kostümen, mit Geistermasken aus Pappmaché vor den Gesichtern, nähern sich vorsichtig dem Wrack. Laufen Weg. Wer jetzt mutmaßt, dass es hier nicht mit rechten Dingen zugeht, liegt nicht ganz falsch.

Mehr: " RÉPERTOIRE DES VILLES DISPARUES (GHOST TOWN ANTHOLOGY) von Denis Coté (Berlinale 2019) " »

Mehrfachspiegelung. Eine Filmkritikerin geht ins Kino. Sie schaut einen Film. Danach schreibt sie über den Film. Mit dem Geschriebenen wird sie berühmt. Ein Film wird über die Filmkritikerin gemacht. Ich gehe ins Kino. Schaue diesen Film. Danach schreibe ich über den Film.

Mehr: " WHAT SHE SAID: THE ART OF PAULINE KAEL von Rob Garver (Berlinale 2019) " »

Rafi Malka ist Streifenbeamter in einer Einheit der Jugendpolizei. Seine ständige Überforderung wird zum Problem, als er nach einer Durchsuchung von Jugendlichen eines sexuellen Übergriffs bezichtigt wird. Auch zu Hause wird seine Situation immer angespannter, im Versuch seine pubertierende Stieftochter und die sich von ihm entfernende Ehefrau Avigail zu halten, spioniert er ihnen hinterher und setzt sie zunehmend unter Druck.

Mehr: " ENAYIM SHELI (Chained) von Yaron Shani (Berlinale 2019) " »

102 Jahre Familiengeschichte von 1912 bis 2014 erzählt Thomas Heise in seinem dokumentarischen Filmessay HEIMAT IST EIN RAUM AUS ZEIT in 218 Minuten. Das sind zwei beeindruckende Zeitspannen: drei Familiengenerationen und ein langer Abend im Kino. Es ist auch ein Film über fünf deutsche Staaten und politische Systeme: das Kaiserreich, die Weimarer Republik, die Bundesrepublik Deutschland (Mai 1949 bis Oktober 1990), die Deutsche Demokratische Republik (Oktober 1949 bis Oktober 1990) und die Bundesrepublik Deutschland nach dem 3. Oktober 1990. Heise erzählt in seinem Film jedoch keine große Geschichte, er schlägt keinen großen Bogen, sondern bleibt nah an seiner Familie. Es sind die persönlichen Schicksale, die wichtig sind. Auch beim dokumentarischen Material sind die privaten, kleinen Aufzeichnungen das Entscheidende: Es sind vor allem Briefe, aber auch Tagebuchaufzeichnungen oder Schulaufsätze, die das Textmaterial liefern. Die Textauszüge werden vom Regisseur selbst gelesen, was den familiären Bezug noch stärker macht.

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Nicht noch ein aussichtsloses Job-Interview! Petrunija ist 32, unverheiratet, ein bisschen pummelig – und studierte Historikerin. Eine Arbeit findet sie in dem mazedonischen Kaff, in dem sie lebt, natürlich nicht. Die Mutter treibt sie dennoch immer wieder zu demütigenden Interviews, stopft sie ansonsten mit Essen voll, putzt sie gerne mal übelst herunter, und ermahnt sie sicherheitshalber, dem potentiellen Arbeitgeber gegenüber ihr Alter auf 24 herunter zu schrauben. Kein leichtes Los für Teona Strugar Mitevskas Hauptfigur in GOD EXISTS, HER NAME IS PETRUNYA. Aber: Irgendwann ist es genug, und der gestaute Frust der jungen Frau entlädt sich in einem spontanen Akt der Selbstbestimmung und Rebellion. Petunija springt ins kalte Wasser und schnappt sich ihr Glück.

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Bäume. Bäume und Söhne. Söhne. Söhne und Pferde. Bäume. Bäume und Söhne. Bäume und Söhne und Pferde. Ein Wettbewerbsfilm. In Hans Petter Molands OUT STEALING HORSES geht es in der Tat um Väter und Söhne, um die Geschichte Norwegens im Zweiten Weltkrieg, um Schmerz, Verlust, Wut, Vergessen und Erwachsenwerden. Ja, auch um die Liebe. Das alles spielt in einer wunderschönen Gebirgs- und Flusslandschaft zwischen Norwegen und Schweden. Leider gibt es darüber schon einen Roman, wohl einen sehr guten, wie man hört, jedenfalls einen äußerst erfolgreichen. Pet Pettersons Vorlage für den Film. Eine ziemlich schlechte Idee ist es dann, Passagen aus dem Buch zu zitieren und sie mit den entsprechenden Bildern zu unterlegen. Doppelt gemoppelt wirkt bisweilen neutralisierend.

Mehr: " UT OG STJÆLE HESTER (Out Stealing Horses) von Hans Petter Moland (Berlinale 2019) " »

Spätestens seit Matteo Garrones „Gomorrha“ wurde auch einem großen Publikum die triste Realität der Mafia, die brutale Gewalt und soziale Verwahrlosung schonungslos vor Augen geführt und damit ein Kontrapunkt geschaffen zur traditionellen hollywoodesken Verklärung. Auch SHOOTING THE MAFIA zeigt schonungslos die brachiale, rücksichtslose Gewalt und das Leid der Opfer und ihrer Angehörigen. Und zwar in Form der Fotos von Letizia Battaglia, die über Jahrzehnte die Morde der Mafia in Sizilien fotografisch festhielt.

Mehr: " SHOOTING THE MAFIA von Kim Longinotto (Berlinale 2019) " »

Um es gleich vorweg zu sagen: Dies ist ein schwer erträglicher Film. Er zeigt rohe Gewalt, pervertierte sexuelle Brutalität und widerwärtigste Frauenverachtung. Das tut er auf eine Art, die abstoßen soll und, in der Tat, abstößt. Der Hamburger Regisseur Fatih Akin hat in DER GOLDENE HANDSCHUH die Geschichte des Frauenmörders Fritz Honka verfilmt, basierend auf dem gleichnamigen Roman von Heinz Strunk. Honka hatte in den 1970er Jahren in Hamburg mindestens vier Frauen gequält, vergewaltigt, ermordet und zerstückelt.

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Die verunsichernde Erkenntnis, dass zwischen sogenannter geistiger Gesundheit und einer diagnostizierbaren psychischen Erkrankung nur eine fragile Trennungslinie verläuft, steht im Zentrum des österreichischen Wettbewerbsbeitrags von Marie Kreutzer. Bereits die erste Szene markiert eindrucksvoll den Tenor des nun Folgenden: Wir sehen eine scheinbar friedlich schlafende junge Frau, die so abrupt und verstört aufwacht, als hätte sie in ihrer inneren Traumwelt Furchtbares erlebt.

Mehr: " DER BODEN UNTER DEN FÜßEN von Marie Kreutzer (Berlinale 2019) " »

Am Ticketcounter für Pressetickts werde ich mit "ahlan wasahlan" begrüßt, der nette Mensch hinter dem Counter erinnert sich an mich aus den letzten Jahren und dass ich ein wenig Arabisch spreche. "Tudo bem,"? frage ich zurück, denn auch ich erinnere mich natürlich an diesen netten Brasilianer. Nach so vielen Jahren festivalblog wird es immer familiärer...

Marcelo Sousa lebt im brasilianischen Hinterland von Minas Gerais. Hier ist das Leben völlig bestimmt vom bäuerlichen, einfachen Leben und der Rinderaufzucht. Marcelo ist traumatisiert, da er einen schweren Raubüberfall miterleben musste, bei dem die gesamte Rinderherde von professionellen Dieben mit Lastwagen abtransportiert wurde.

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Der erste Berlinale-Film und gleich ein Volltreffer: Renaud Barrets Film über Street Art-Künstler in Kinshasa ist atemberaubend und ermöglicht intime Einblicke in die kongolesische Hauptstadt. „Street Art“ klingt aber viel zu brav für die radikalen Kunstaktionen, die der Regisseur mitten in der chaotischen 13 Millionen Metropole begleitet.

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Kindesmissbrauch in der katholischen Kirche ist sein einigen Jahren ein Thema, über das endlich offen gesprochen wird. Inzwischen positioniert sich sogar der Vatikan dazu. François Ozon erzählt in GRÂCE À DIEU von einem Aufsehen erregenden Fall, der in Lyon seinen Anfang nahm und 2016 zur Anklage kam, aus der Perspektive der mittlerweile erwachsenen Opfer.

Mehr: " GRÂCE À DIEU (By the Grace of God) von François Ozon " »

Zwischen den Welten

Wie kann man ein so komplexes Land wie Indien verstehen? Wie kann man zumindest anfangen, es zu verstehen? Vor dieser Frage steht David, der Protagonist aus Udita Bhargavas Film DUST, ebenso wie die Regisseurin selbst. Der junge Deutsche begibt sich auf eine Spurensuche in Zentralindien – entlang den letzten Lebenszeichen seiner Ex-Freundin Mumtaz, einer aus Indien stammenden Fotografin, die kurz zuvor verstorben ist. An Malaria, wie es heißt.

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Es gibt Kinder, die fallen durch alle Raster der staatlichen Fürsorge. Sie akzeptieren keinerlei Regeln, sind unberechenbar, aggressiv und oft gewalttätig gegen sich und andere. Im Jargon der Erzieher gibt es ein Wort für diese Kinder – man nennt sie „Systemsprenger“. Die neunjährige Benni, Hauptfigur sowie höchst energetischer Dreh- und Angelpunkt in Nora Fingscheidts Wettbewerbsbeitrag SYSTEMSPRENGER ist ein solches Kind. Sie prügelt sich ohne Rücksicht auf sich selbst und andere, ist wahnsinnig anstrengend, greift alles und jeden an, sobald sie nicht ihren Willen bekommt, und will doch eigentlich nur zurück zu ihrer Mutter. Die allerdings ist heillos von diesem wilden Wesen überfordert und stielt sich immer wieder aus der Verantwortung – letztlich hat sie geradezu Angst vor ihrer eigenen Tochter. Welche Chancen, so fragt Fingscheidts Film, haben solche Kinder, das zu bekommen, was sie sich so sehnlich wünschen: Liebe und Geborgenheit?

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Interview mit der Regisseurin Udita Bhargava

Wie kann man ein so komplexes Land wie Indien verstehen? Wie kann man zumindest anfangen, es zu verstehen? Vor dieser Frage steht David, der Protagonist aus Udita Bhargavas Film DUST ebenso wie die Regisseurin selbst. DUST ist der Abschlussfilm von Udita Bhargava an der Filmuniversität Babelsberg KONRAD WOLF. Er läuft in der Perspektive Deutsches Kino. Festivalblog hat mit der 1982 in Indien geborenen Regisseurin gesprochen.

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Was gehört zu einem Märchen im alten Grimmschen Sinn? Das Gute, das Böse der und Kampf zwischen den beiden. Der Bösewicht stellt die Guten vor eine Reihe von Prüfungen, die sie bestehen müssen, um dem Bösen zu entkommen. Genau diese archaische Form des Märchens hat Lone Scherfig für ihren Film THE KINDNESS OF STRANGERS gewählt, der die Berlinale 2019 eröffnete. Die Mutter Clara (Zoe Kazan) flieht mit ihren beiden Söhnen vor dem prügelnden Ehemann von Buffalo nach Manhattan. Sie verbreitet verzweifelten Optimismus und verkauft ihren Kindern die Flucht als Abenteuerreise. Aber sie hat keinen Plan, wie sie ihrer Situation entkommen soll.

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...gaanz langsam aus ihrem Winterschlaf. Ein bisschen sehen sie noch so aus, als ob sie sich erst vorsichtig den Bärenmatzel aus den Äuglein wischen sollten, um den aufziehenden Glanz auf dem Potsdamer Platz auch angemessen würdigen zu können...

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Mindestens so wichtig wie die Berlinale-Filme ist die jährlich neue Berlinale-Tasche. 2019 gibt es Exemplare in grau und weiß. Eine neumodische Taschen-/ Rucksackcombi ist es. Hmm.

Einiges steht, vieles noch nicht. Aber morgen geht sie los, die 69. Berlinale. Lone Scherfigs Film THE KINDNESS OF STRANGERS wird das Festival eröffnen.